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Art & Fotografie 2023

25 Fotografen aus der ganzen Welt, die man kennen sollte

Inhaltsverzeichnis:

25 Fotografen aus der ganzen Welt, die man kennen sollte
25 Fotografen aus der ganzen Welt, die man kennen sollte
Anonim

Red Hook Labs suchte auf der ganzen Welt nach einigen der aufregendsten jungen und unbekanntesten Fotografen, die heute arbeiten – hier treffen wir einige von ihnen

Es gab eine Zeit, in der man Fotografen ohne Agenturvertretung selten einen zweiten Blick zuwarf. Aber eine neue Welle von Talenten wartet nicht auf die Anerkennung der Branche, sondern hat ihre Zeit darauf verwendet, wichtige Geschichten aus der ganzen Welt festzuh alten. Es sind diese Menschen, nach denen Red Hook Labs – eine gemeinnützige Körperschaft, die sich dem Aufbau kreativer Gemeinschaften und sich selbst tragender Unternehmen in Entwicklungsgebieten durch Bildung, Veranst altungen und Programme verschrieben hat – gesucht hat, als sie ihre gerade eröffnete Show Labs New Artists kuratierten.

Mit 25 der besten jungen und nicht vertretenen Fotografen, die heute arbeiten, hat Red Hook Labs (mit Hilfe einer Jury) den Globus umrundet und Talente aus der Türkei in die USA, Georgien, Japan, Frankreich, Kanada und die USA rekrutiert UK.

Im Folgenden treffen wir einige der Fotografen, die ihre Arbeiten gezeigt sehen und mehr über ihren Prozess und ihre Projekte erfahren werden:

EMMA RESSEL, USA

Was inspiriert dich zum Fotografieren?

Emma Ressel: Ich bin inspiriert von all der Art und Weise, wie Menschen Essen erleben, abgesehen davon, dass sie es essen. Essen hat einen starken symbolischen Wert, und ich verbringe viel Zeit damit, darüber nachzudenken, was Essen in Fotografien in der Geschichte der Fotografie repräsentiert hat. Holländische Stillleben, der Gastronom MFK Fisher und natürlich Dinge, die ich schmecke, rieche und sehe, inspirieren mich für immer.

Um was dreht sich deine Fotografie?

Emma Ressel: Meine Arbeit kommt von einem Ort des Experimentierens und Überschreitens der Grenzen dessen, was Stillleben-Lebensmittelfotografie bedeuten kann. In jedem meiner Projekte kombiniere ich verschiedene literarische, historische und narrative Texte, um surreale Stillleben-Tableaus zu erfinden. Ich nutze historische Kochbücher, die Arbeit des Gastronomen MFK Fisher und seit kurzem Lebensmittelmythologie. Jedes Foto hält die Spannung einer Person, die gerade die Szene verlassen hat. In Abwesenheit von Menschen wird das Essen unglaublich dynamisch und lebendig.

Erzählen Sie uns von der Arbeit, die in der Labs New Artists Show enth alten ist?

Emma Ressel: Es heißt „Olives in the Street“, das ich 2016 im Rahmen einer Residency in Lugo, einer kleinen Stadt in Norditalien, gemacht habe Projekt im Laufe eines Monats, wanderte durch die Stadt und sammelte Zutaten, Artefakte und Gedanken über das Essen, das mir begegnete. Ich habe überall in Lugo Stillleben-Tableaus geschaffen, die ich fast als Schreine betrachte. Ein Künstlerbuch von „Olives in the Street“wird später in diesem Sommer veröffentlicht. Bleiben Sie dran!

Was, hoffen Sie, fühlen oder sehen die Leute, wenn sie Ihre Arbeit betrachten?

Emma Ressel: Ich hoffe, dass meine Arbeit Menschen dazu bringt, starke viszerale Reaktionen von Verlangen und Ekel zu haben. Meine Arbeit bewegt sich an der Grenze zwischen schön und grotesk, und ich freue mich, wenn Menschen auf beide Enden dieses Spektrums ansprechen. Ich liebe es, wenn Menschen ihre eigene Geschichte über das erschaffen, was sie auf dem Foto sehen. Ich hoffe, die Zuschauer haben das Gefühl, eine geheime und bizarre Welt des Essens entdeckt zu haben.

Emma Ressel (USA)

HARRIS MIZRAHI, USA

Was inspiriert dich zum Fotografieren?

Harris Mizrahi: Ich bin mir nicht sicher, ob mich etwas inspiriert. Als Künstler denke ich, dass das erfüllendste und am schwierigsten zu erreichende Gefühl darin besteht, Werke zu schaffen, die einen überraschen. Wenn du es getan hast und es aussieht wie nichts, was jemals zuvor von dir gekommen ist, sich aber immer noch ganz deins anfühlt – das ist ein ganz besonderes Gefühl. Doch sehr bald danach lässt dieses High nach und die Notwendigkeit, es besser zu machen, ist überwältigend und wird mit jedem Vorkommen immer schwieriger. Fotografie ist in dieser Hinsicht wie eine Droge.

Um was dreht sich deine Fotografie?

Harris Mizrahi: Die Fotografien, die ich mache, drehen sich immer um einen Ort der Verletzlichkeit und Porträts.

Erzählen Sie uns von der Arbeit, die in der Labs New Artists Show enth alten ist?

Harris Mizrahi: Die Arbeit in dieser Ausstellung ist eine Auswahl von Fotografien aus einem viel größeren Langzeitprojekt mit dem Titel "Inside Out". Während ich gegen die tiefe Depression und den Verführungswahn meiner bipolaren Störung ankämpfte, fuhr ich so weit wie möglich von zu Hause weg, bevor ich müde wurde, die meiste Zeit ohne an eine Rückkehr zu denken. Die Reisen dienen als eine Form der Therapie, bei der mein eigener Zustand der Verletzlichkeit und der Wunsch, akzeptiert zu werden, es mir ermöglichen, die Menschen, die ich getroffen habe, mit Ehrlichkeit, Empathie und einer Intimität zu sympathisieren und zu fotografieren, die Fremden normalerweise nicht zuteil wird. Als Fotograf erbitte ich jedoch die Verletzlichkeit meines Motivs und muss im Gegenzug meine eigene offen preisgeben.

Was, hoffen Sie, fühlen oder sehen die Leute, wenn sie Ihre Arbeit betrachten?

Harris Mizrahi: Für mich ist einer der aufregendsten Aspekte beim Lesen von Fotografien die Erfahrung, meine eigenen Geschichten zu erfinden und meine eigenen Erfahrungen in die Arbeit eines anderen einzubringen. Ich finde es toll, dass sich die Bedeutung eines Bildes bei jedem erneuten Besuch weiterentwickeln und ändern kann. Ich möchte, dass die Leute diese Art von Erfahrung mit meiner Arbeit machen können; damit die Bedeutung des Bildes fließend bleibt und die Aktualität des dargestellten Ereignisses transzendiert. Meine Absicht ist nicht, dass diese Bilder die Wahrheit über eine Person oder eine Begegnung erzählen, sondern dass sie die Fähigkeit haben, Wahrheiten über die komplexe und oft zerbrechliche menschliche Verfassung zu vermitteln.

Harris Mizrahi (USA)

VINNA LAUDICO, KANADA

Was inspiriert dich zum Fotografieren?

Vinna Laudico: Derzeit die Straße und die Menschen auf der Straße.

Um was dreht sich deine Fotografie?

Vinna Laudico: Unterbewusstsein und die Außenseiter.

Erzählen Sie uns von der Arbeit, die in der Labs New Artists Show enth alten ist?

Vinna Laudico: Da sind diese drei Straßenporträts und zwei Bilder von meiner Reise nach Mexiko letztes Jahr.

Was, hoffen Sie, fühlen oder sehen die Leute, wenn sie Ihre Arbeit betrachten?

Vinna Laudico: Ich freue mich, wenn sie sich einfach daran erfreuen können.

Vinna Laudico (Kanada)

JUSTIN FRANZÖSISCH, USA

Was inspiriert dich zum Fotografieren?

Justin French: Die Freiheit, meiner eigenen Vorstellungskraft eine physische Darstellung gewähren zu können.

Um was dreht sich deine Fotografie?

Justin French: Ich nähere mich all meinen Bildern gerne so, als ob sie innerhalb des Multiversums existieren, ich versuche, dass sich die Arbeit wie eine andere Welt als unsere eigene anfühlt.

Erzählen Sie uns von der Arbeit, die in der Labs New Artists Show enth alten ist?

Justin French: Es ist eine Auswahl aus drei separaten Projekten, die sich mit Widrigkeiten, Identität und Autonomie befassen.

Was, hoffen Sie, fühlen oder sehen die Leute, wenn sie Ihre Arbeit betrachten?

Justin French: Ich möchte wirklich, dass sich meine Arbeit für die Betrachter fast therapeutisch anfühlt, damit sich ihre Gedanken entspannen und frei laufen können, während sie sich vorstellen, was im Bild vor sich geht

Justin French (USA)

JOYCE NG, HONGKONG

Was inspiriert dich zum Fotografieren?

Joyce NG: Fakten allein sind langweilig. Schönheit allein ist langweilig. Verlangen ist dazu verdammt, kommerziell zu sein. Handel wird als hässlich abgetan. Ich fühle mich verwöhnt, aber die Fotografie ist mein Werkzeug, um Probleme zu überdenken und die Art und Weise, wie ich aufgewachsen bin (jeden Tag in und außerhalb von Einkaufszentren), zu analysieren und dann so zu tun, als ob das Foto nicht von mir wäre. Kantonesisch ist ein Dialekt, dem es an Wortspielen und Wortspielen nicht mangelt. Ich bin schlecht im Umgang mit Worten, aber die Sprache beeinflusst zweifellos meinen Denkprozess. Ich mache Fotos, damit ich Elemente kombinieren kann, wie Sojasauce auf Vanilleeis, und schlage es als Potenzial vor.

Um was dreht sich deine Fotografie?

Joyce NG: Aufgewachsen in Einkaufszentren und Hongkong.

Was, hoffen Sie, fühlen oder sehen die Leute, wenn sie Ihre Arbeit betrachten?

Joyce NG: Echtheit mit einer Prise MSG. Dass sie zwischen „Ich will es“und „Aber ich weiß es schon“gefangen sind.

Joyce Ng (Hongkong)

KENTA NAKAMURA, JAPAN

Was inspiriert dich zum Fotografieren?

Kenta Nakamura: Es ist das tägliche Leben. Zum Beispiel höre ich ein Lieblingsradioprogramm, Musik. Ich drücke meine Gefühle in Fotos aus.

Um was dreht sich deine Fotografie?

Kenta Nakamura: Instinktiv nutze ich meinen eigenen Sinn für Schönheit. Es geht nicht um ihr Alter oder ihre körperliche Verfassung.

Kenta Nakamura (Japan)

THEO DE GUELTZL, FRANKREICH

Was inspiriert dich zum Fotografieren?

Theo De Gueltzl: Für mich rechtfertigt das Fotografieren meine Faszination für seltsame Orte und Personen oder Gemeinschaften, die anders sind als ich. Ich fühle mich zum Anderen – dem Fremden – hingezogen und benutze meine Kamera fast wie einen Schutzschild, der es mir erlaubt, in der Position des Betrachters zu bleiben. In meiner fotografischen Arbeit fordert es mich heraus, mit Fremden zu sprechen, in ihren Raum einzudringen und einen sehr persönlichen Moment und ein Bild aufzunehmen. Was meine Fotografie objektiver beeinflusst, ist meine Erfahrung mit bildhauerischer Arbeit: mein Interesse für Licht im Raum durch Skulptur. Das Medium Fotografie erlaubt mir, mit Licht als primärem Material zu arbeiten.

Um was dreht sich deine Fotografie?

Theo De Gueltzl: Ich sehe Fotografie als eine intuitive und direkte Möglichkeit, mich auszudrücken. Es ist meine Leidenschaft und meine Sprache, etwas, das Teil meines alltäglichen Lebens ist. Fotografien ermöglichen es mir, eine Geschichte ohne Worte zu erzählen, meine Gefühle ohne Erklärung auszudrücken, eine zweite Ebene der Realität zu schaffen. Indem ich eine Ästhetik auf die Realität anwende, kann ich meine Vision demonstrieren. Beim Fotografieren bin ich gerne nah am Geschehen, wünsche mir oft fast, transparent, unsichtbar zu werden. Ein Element statt ein Eindringling des Themas zu werden, das ich wähle. Empathie spielt bei meiner Herangehensweise an ein Thema eine große Rolle. Ich bleibe mit einem Ort und seinen Menschen verbunden, glaube und folge meiner Intuition, um dann sowohl eine persönliche als auch eine universelle Antwort zu schaffen, die darauf abzielt, das Bewusstsein für wichtige Themen zu schärfen.

Erzählen Sie uns von der Arbeit, die in der Labs New Artists Show enth alten ist?

Theo De Gueltzl: Es heißt „Ju’lhoansi“– der Name einer Gruppe von San, die in der Kalahari-Wüste Namibias leben. Die San, auch Buschmänner genannt, sind für mich das poetischste Beispiel für die Zerbrechlichkeit unserer kulturellen Vielf alt. Sie sind die direkten Nachkommen der ersten Menschen auf diesem Planeten. Als Jäger und Sammler überleben sie in einer der rauesten und unwirtlichsten Umgebungen allein durch die Verbindung mit der Natur und ihrer Umgebung. Ihr Leben steht in solch einem Kontrast zu unserer Realität der Welt: Das Konzept der Zeit existiert nicht. Sie kümmern sich nicht um Geld oder Konkurrenz – sie sind eine Sharing-Community. Sie jagen so wenig, wie sie zum Überleben brauchen, sie heilen ihre Kranken mit den Wurzeln und Blättern des Busches und beschwören die Ahnengeister in ihren Träumen, wenn sie Rat brauchen. Sie praktizieren solchen Respekt vor der Natur, weil sie wissen, wie abhängig wir von ihr sind, um zu leben. Doch diese Gemeinschaften werden von der modernen Zivilisation eingeschlossen und beeinflusst, sodass sie ihre Kultur und Identität zu verlieren drohen. Zu der Fotoserie der Ju’hoansi gibt es einen Text mit dem Titel „Manifest zum Schutz der Vielf alt der Kulturen“. Von Zeit zu Zeit h alte ich es für unerlässlich, unsere Blase der westlichen Gesellschaft zu verlassen, um andere Lebensperspektiven wiederzuerlangen.

Diese Serie zieht Parallelen zu den Themen, um die sich meine Fotografie dreht. Ich fühle mich zu Menschen hingezogen, die am Rande der modernen Gesellschaft leben, von ihr verschluckt zu werden drohen und dennoch ihren eigenen Weg gehen – ob mit oder gegen ihren Willen. Für mich schlagen sie unterschiedliche Sichtweisen auf die Welt vor. Meiner Meinung nach muss diese Vielf alt der Kulturen erh alten bleiben, ich bin entschieden gegen die Normalisierung und Angleichung der Kulturen an eine einheitliche moderne Gesellschaft. Ich glaube auch nicht, dass der Begriff „zivilisierte Gesellschaft“irgendeiner anderen Gesellschaftsform, einem Clan oder einer Familie dieser Welt überlegen ist.

Was, hoffen Sie, fühlen oder sehen die Leute, wenn sie Ihre Arbeit betrachten?

Theo De Gueltzl: Ich hoffe, dass ich es durch die Ästhetik meiner Fotografien schaffe, den Betrachter tiefgehend für das Thema zu interessieren. Ich möchte, dass die Leute etwas erkennen, das sie noch nie zuvor gesehen haben, aus einem für sie neuen Blickwinkel. Außerdem hoffe ich, Menschen zu inspirieren, anders zu sein, sei es, anders zu leben, anders zu denken oder sich einfach anders zu sehen. Alles ist relativ und ich hoffe, dies mit meiner Fotografie zu betonen.

Theo de Gueltzl (Frankreich)

ISABEL MAGOWAN, USA

Was inspiriert dich zum Fotografieren?

Isabel Magowan: Ich fotografiere, weil ich mich erstickt fühle und weil ich mich intensiv fühle. Mir haben oft die Worte gefehlt. Sprache fühlt sich gleichzeitig endlich und unendlich an, was sich manchmal bedrückend und frustrierend anfühlt. Ich sitze hier und kämpfe darum, die Komplexität der Emotionen in Worte zu fassen, die mich dazu bringen, Bilder zu machen. Die Welt ist so riesig und ich bin so ängstlich und die Widersprüche des Lebens sind herzzerreißend, grausam, amüsant, schön und so viele andere Dinge, die ich hier auflisten könnte, aber dieses Bild könnte anfangen, effektiver zu vermitteln. Ein Großteil meiner Arbeit ist von meiner Kindheit inspiriert, den Dingen, die ich fühlte, aber nicht wusste und nicht ausdrücken konnte.

Um was dreht sich deine Fotografie?

Isabel Magowan: Ich bin verwirrt und fasziniert von der Verbindung zwischen Identität und Materialität; Die Dinge, die uns verkauft werden, die kulturellen Botschaften, die wir empfangen und verinnerlichen, die Intimität oder deren Fehlen, die alle gleichzeitig existieren können. Die Schlüpfrigkeit der Wahrnehmung, dass die Dinge auf den ersten Blick wunderbar aussehen können. Aber was passiert, wenn wir uns der Frage stellen, dass nicht alles so ist, wie es scheint? Themen Selbstbild und Wert in einer übersättigten Konsumgesellschaft. Die Vorstellung vom Leben als Spektakel: Meine Erfahrung als Kinderdarsteller zeigt sich oft in Motiven und Themen. Inwiefern leisten wir immer? Die Spannung zwischen dem, was das Publikum auf der Bühne mit ihren choreografierten, wunderschönen Darstellern, wunderbaren Requisiten und Kulissen sieht, alles Fantasie, aber nur Rauch und Spiegel, die die schmutzige und oft schmerzhafte und anstrengende Realität dessen, was die Realität des Lebens hinter dem Vorhang ist, Lügen strafen eigentlich ist.

Erzählen Sie uns von der Arbeit, die in der Labs New Artists Show enth alten ist?

Isabel Magowan: Die vorgestellten Arbeiten stammen hauptsächlich aus meiner Serie „Cygnets“, einer Werkgruppe, die die Momente erforscht, in denen die Unschuld in ihrer fantasievollen Naivität zunehmend in Konflikt gerät mit wachsendem Selbstbewusstsein.

Was, hoffen Sie, fühlen oder sehen die Leute, wenn sie Ihre Arbeit betrachten?

Isabel Magowan: Ich möchte Arbeiten machen, die unsere Vorstellungen vom guten Leben untergraben, indem wir hinterfragen, inwieweit Erscheinung und Materialismus die Realität der eigenen inneren Zerrissenheit verbergen können. Ich bitte den Betrachter, sein eigenes Verständnis des Bildes in Bezug auf die Widersprüche und komplexen emotionalen Zustände der eigenen gelebten Erfahrung zu projizieren. Wenn meine Arbeit erfolgreich ist, wird sie den Betrachter dazu anregen, seinen imaginären Muskel, seinen emotionalen Kern, zu trainieren und tief zu fühlen.

Isabel Magowan (USA)

NIKKI KRECICKI, USA

Was inspiriert dich zum Fotografieren?

Nikki Kreckcki: Ich liebe Erzählungen. Ich liebe es, mit einem Freund zusammenzusitzen, zuzuhören und Geschichten zu erzählen. Mit einer Kamera kann ich diese Momente schaffen, die eine größere Geschichte erzählen. Fakten und Fiktion zusammenfügen, die sich zu einer visuellen Geschichte entwickeln. Je mehr ich fotografiere, desto klarer wird mir, dass ich mich zu Szenen hingezogen fühle, die mich an zu Hause erinnern. Ich bemühe mich, vergangene und gegenwärtige Erfahrungen zusammenzubringen, um eine neue Geschichte zu erschaffen.

Um was dreht sich deine Fotografie?

Nikki Kreckcki: Meine Fotografie hat eine intime Präsenz. Ich bin von der Idee, dass Intimität nur durch Sexualität gezeigt wird, zur Untersuchung und Erfassung intimer Interaktionen übergegangen. Wen auch immer ich fotografiere, ob es meine Großmutter oder ein Model ist, ich möchte sie wie ein Familienmitglied betrachten, um Stille und Aufrichtigkeit einzufangen. Es ist wirklich etwas Besonderes, wenn sowohl Sie als auch das Motiv sich für das Foto entspannen können.

Erzählen Sie uns von der Arbeit, die in der Labs New Artists Show enth alten ist?

Nikki Kreckcki: In der Ausstellung habe ich einige meiner Stücke aus meiner Serie „Jane & I“. In den letzten drei Jahren habe ich meine Großmutter im Garten meiner Familie dokumentiert. Dadurch wuchs unsere Beziehung. Wir verstehen einander besser, weil wir unsere Ähnlichkeiten erkannt haben. Auch mit 90 Jahren hat sie noch Lebenshunger. Jedes Mal, wenn wir durch den Garten gingen, war ich ihre langen, anmutigen Finger, die über die Blätter strichen. Ich weiß, dass ich in 60 Jahren dasselbe tun werde. Die Serie porträtiert meine eigenen jugendlichen Eigenschaften, die auf Janes ge alterten Körper projiziert werden, aber es ist auch eine Hommage an sie. Wenn ich Kleidungsstücke aus meinem Schrank holte und sie ankleidete, wurde sie immer aufgeregter. Ich wusste, dass sie sich wieder schön fühlte.

Was, hoffen Sie, fühlen oder sehen die Leute, wenn sie Ihre Arbeit betrachten?

Nikki Kreckcki: Ich hoffe, die Leute sehen die Zärtlichkeit in der Schönheit des Motivs, egal ob es sich um eine unreife Birne oder eine Jane handelt. Ich hoffe, die Menschen sehen, dass dem Übersehenen Würde innewohnt.

Nikki Krecicki (USA)

LUCY RIDGARD, UK

Was inspiriert dich zum Fotografieren?

Lucy Ridgard: Jugendkultur, alle anderen Kulturen, neue Orte und Länder, Teenager, Stil für Alt und Jung. Das Exzentrische und Seltsame. Meine Heimatstadt. Heuhaufen, Sackgassen, Dörfer, weite Felder und Landstraßen. Seltsame Schatten und Lichtkegel. New-Age-Reisende, Rave-Kultur, Kunstschulkinder. Die Haarfarbe, das Gesicht, das Outfit oder die Einstellung einer Person. Die Arbeit von Joana Vasconcelos, Daniel Meadows, Larry Sultan, Roger Ballen, Joseph Szabo, Ken Loach, Shane Meadows und John Hughes.

Um was dreht sich deine Fotografie?

Lucy Ridgard: Viele Teenager! Aus Großbritannien und dem Ausland. Style-Stämme. Jugendkultur, Jugend und soziale Bewegungen, Individualität. Junge Leute aus meiner Heimatstadt Bury St. Edmunds in Suffolk.

Erzählen Sie uns von der Arbeit, die in der Labs New Artists Show enth alten ist?

Lucy Ridgard: Alle Arbeiten werden auf Film in Farbe gedreht. Die Fotos sind Teil eines seit 2007 laufenden Projekts von Teenagern, die ich in und um meine Heimatstadt Bury St. Edmunds gefunden habe. Diese jungen Leute, die mit Identität experimentieren, erinnern mich an meine eigene Jugend, als ich in den 80er und 90er Jahren in East Anglia aufwuchs.

Was, hoffen Sie, fühlen oder sehen die Leute, wenn sie Ihre Arbeit betrachten?

Lucy Ridgard: Fasziniert … interessiert an den Motiven auf den Fotos. Um ein Stück Geschichte, einen sozialen Kommentar und ein Fenster in meine Vergangenheit zu sehen. Da prallen zwei Welten aufeinander – die Freiheit und Idylle der Landschaft trifft auf die selbstgebauten Styles und den ausgefallenen Look der Teenager.

Lucy Ridgard (Großbritannien)

CAN DAGARSLANI, TÜRKEI

Was inspiriert dich zum Fotografieren?

Can Dagarslani: Zuallererst genieße ich das Beobachten, insbesondere Objekte, ihre Farben und Texturen. Diese Visuals notiere ich mir immer, die mich dann in meinem Alltag inspirieren. Der laufende Alltag inspiriert mich also am meisten und dient mir als Ausgangspunkt.

Meine architektonische Expertise hat definitiv einen Einfluss auf die Raum-Objekt-Analyse gehabt. Die Wahrnehmung des Raums, die Perspektiven und die Schichten davon werden für mich zu einer Reise, während ich meine Kompositionen erstelle.

Ich interessiere mich auch stark für andere Disziplinen wie Mode, Kinematografie und Malerei, und sie beeinflussen meine Arbeit.

Um was dreht sich deine Fotografie?

Can Dagarslani: Die Suche nach „Identität“ist der Ausgangspunkt meiner Arbeit. Ich konzentriere mich auf ein ausgewogenes Gefühl der Gelassenheit, einen Hauch von sensiblem Realismus und eine Art Knoten aus kontrastierenden Pastellfarben vervollständigen die kleinen, schlampigen, bizarren, aber ebenso faszinierenden Geschichten.

Erzählen Sie uns von der Arbeit, die in der Labs New Artists Show enth alten ist?

Can Dagarslani: In „Serenity“gibt es sicher eine starke Bindung zwischen Menschen und ihren Erfahrungen, die sich gegenseitig prägen. Doch kann man nur im Alter zur Gelassenheit gelangen? Diese Serie, die die Existenz einer praktischen Lebensweise in Gelassenheit hinterfragt, habe ich im Bauhaus Dessau gemacht. Der Ausgangspunkt der Serie wurde der Kontrast, den ich zwischen den Modellen und den drei Hauptfarben des Bauhauses, Rot, Blau und Gelb, schaffen wollte, während ich die organischen Veränderungen der Wahrnehmung hervorhob, die in meinen Arbeiten offensichtlich sind.

Was, hoffen Sie, fühlen oder sehen die Leute, wenn sie Ihre Arbeit betrachten?

Can Dagarslani: Nichts, was ich tue, hat einen Zweck. Menschliche Beziehungen, die Zerbrechlichkeit unserer sozialen Grenzen, Liebe und Identitäten sind einige meiner bevorzugten Themen, die sich in einen Strudel dessen einfügen, was leicht als die neue Normalität bezeichnet werden kann. Und vielleicht ist das am Ende des Tages mein größtes Kapital, die Grenzen der „neuen Normalität“unserer Generation zu dokumentieren und aufzudecken, komplett mit allem, was eine kostbare und intime Abnormalität ausmacht.

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