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Im Gespräch mit den Stars von Ghost In The Shell

Inhaltsverzeichnis:

Im Gespräch mit den Stars von Ghost In The Shell
Im Gespräch mit den Stars von Ghost In The Shell
Anonim

Wir treffen uns mit Rupert Sanders, Scarlett Johansson, Michael Pitt und dem visionären Special-Effects-Team über die Entstehung des Thrillers der Zukunft

Das von Steven Spielberg und dem Produzenten Avi Arad im Jahr 2008 initiierte Vorhaben, Ghost In The Shell als Live-Action-Film-Franchise zu produzieren, war mühsam und voller Druck und Herausforderungen. Dass der Film in die Hände des technisch versierten Rupert Sanders gelangte, erwies sich aus mehreren Gründen als Zufall. Sanders war sich der Herausforderungen bei der Adaption einer Geschichte mit einer so hingebungsvollen Fangemeinde sehr bewusst und unternahm große Anstrengungen, um nicht nur die Erwartungen des Ausgangsmaterials zu erfüllen, sondern sie zu übertreffen und sowohl im wörtlichen als auch im übertragenen Sinne neue Dimensionen hinzuzufügen.

In Zusammenarbeit mit der aufstrebenden Kamerafrau Jess Hall, dem erfahrenen Produktionsdesigner Jan Roelfs (Gattaca) und dem Meister der Spezialeffekte, dem fünffachen Oscar-Preisträger Richard Taylor von WETA Workshop, komponierte Sanders eine düstere, taktile Welt aus realen Sets und digitale Animationselemente, die zu einer üppigen und immersiven filmischen Landschaft des zukünftigen Weltverrats führen. Durch die Besetzung einer international vielfältigen Besetzung von Schauspielern, die vor allem für Fernsehserien, Kunstfilme und andere Genres bekannt sind, konnte Sanders seine eigene kaleidoskopische Vision für eine Welt entwickeln, die gleichzeitig technologisch gesättigt und dennoch unglaublich farbenfroh und real ist. Hier diskutieren Sanders, Taylor, Conceptual Art Director Ben Hawker und die Hauptdarsteller, wie sie die wegweisende Manga-Serie zum Leben erweckt haben.

Rupert Sander

RUPERT SANDERS: REGISSEUR

Die Themen des Films werden immer relevanter, je mehr wir uns auf Technologie verlassen. Hat das Ihr Interesse geweckt, diese Geschichte zu erzählen?

Rupert Sanders: Ich habe den Anime gesehen, als ich auf der Kunsthochschule war, und bin dann durch den Anime zum Manga gekommen. Aber es hat mich wirklich umgehauen. Es war ein ziemlich einzigartiges Stück Kino. Ich denke, Shirow ist der Nostradamus der Technologie. Er sagte das Internet voraus, miteinander verbundene Datennetze, lange bevor es realisiert wurde. Ich denke, einige dieser Themen und Ideen sind relevanter geworden, und wir verlassen uns so sehr auf unsere Telefone, und das war für mich interessant zu verstehen. Wenn man bedenkt, dass wir so viel von unserem Leben dieser kleinen, rechteckigen, gläsernen, verführerisch aussehenden schwarzen Platte widmen. Es weiß so viel über dich. Wer weiß noch so viel über dich? Sobald Sie all das in ein Gehirnimplantat gesteckt haben, wissen Sie nicht nur, wo Sie sind, was Sie kaufen, wohin Sie gehen, mit wem Sie was tun, wenn Sie es tun, sondern es ist auch in der Lage, die Gedanken, Träume und Ideen der Menschen zu lesen. und all die Dinge, die wirklich wir sind. Und wenn das gehackt werden kann, ist das eine beängstigende Vorstellung.

Der Look des Films ist so spezifisch und einzigartig. Es ist nicht die Art von Klischee, die man bei vielen dystopischen Filmen bekommt, die in der Zukunft spielen. Was hat den Look des Films inspiriert?

Rupert Sanders: Ich denke genau das, wirklich. Ich wollte nicht dystopisch sein. Ich wollte etwas, das bunt und echt ist. Wir haben einen Großteil der Welt wirklich gebaut. Wir haben Miniaturen der Gebäude gebaut. Wir haben alle festen Hologramme, die die Stadt bewohnen, als echte fotografische Elemente gemacht. Wir haben Hunderte von Sets gebaut. Wir haben auf den Straßen von Hongkong gearbeitet, um die Textur und Patina zu erh alten. Wir haben Uhrwerk-Geisha-Köpfe gebaut, wir haben Majors Skelett in 400 einzigartigen 3D-gedruckten Teilen gebaut. Ich wollte die Welt berühren und in eine Welt eintauchen, die ich fühlen und berühren konnte. Ich habe das Gefühl, dass sich die Aufführungen echter anfühlen, die Action sich echter anfühlt und es dramatischer ist, wenn man glaubt, dass man da ist.

Gab es jemals einen Punkt, an dem Sie das Gefühl hatten, dass etwas, das Sie versuchten, zu ehrgeizig war, um zu funktionieren? Wenn ja, wie sind Sie daran vorbeigekommen?

Rupert Sanders: Ich hatte wahnsinnige Angst reinzugehen. Du machst all diese Vorbereitungen und planst quasi die ersten paar Wochen der Produktion - und dann hatten wir diese Wand mit Schichten von Storyboards und Konzepten und allem - bis ungefähr zur vierten Woche, und dann hat es einfach seinen Tiefpunkt erreicht, weil es so arbeitsintensiv ist. Die Eröffnungssequenz des Hotels haben wir früh gedreht. Aber es gibt so viele Schichten davon, diese Konzepte und Ideen. Jeder hat irgendeine Art von Augmentation, irgendein seltsames Make-up oder eine Art verrückte Garderobe, in einer Umgebung, in der es um Live-Feuer geht, es war viel zu tun. Ich hatte Angst, dass wir ins Unbekannte vordringen, aber ich schätze, das hält einen irgendwie auf Trab und hält die Fantasie am Laufen. Wir hatten ein ziemlich restriktives Budget. Es ist ein großer Film, um das Budget, das wir hatten, einzubringen, also haben wir Entscheidungen getroffen, die sehr finanziell waren und die auch die Vorstellungskraft anregen. Du kannst nicht alles tun, was du willst, wo immer du willst. Sie müssen ein Set wiederverwenden, es auf den Kopf stellen, eine Requisite wiederverwenden, es auf die andere Seite legen. Es steckte viel Fantasie und kreative Leidenschaft in dem Film.

Scharlach3

SCARLETT JOHANSSON: MAJOR

Hast du dir immer vorgestellt, dieser riesige Actionstar zu sein?

Scarlett Johnasson: Ähm, nein! Ich jedenfalls nicht. Wenn ich vor einem Jahrzehnt an mich selbst denke, hätte ich nie gedacht, dass ich einmal so viele grenzenlose Charaktere spielen würde. Aber in gewisser Weise hat mir die Tatsache, dass die Charaktere, die ich gespielt habe, keine Grenzen gesetzt haben, wirklich ermöglicht, viel zu erweitern und all diese emotionalen Möglichkeiten wirklich zu erkunden. Es war eine interessante Reise.

Der Major ist nicht die erste Figur, die du gemacht hast, die mit unkonventionellen Geisteszuständen spielt, wie wir in Under the Skin und Lucy gesehen haben. Was waren einige der besonderen Herausforderungen, auf die Sie beim Major gestoßen sind?

Scarlett Johansson: Nun, es gab eine einzigartige Herausforderung in diesem Film. Erstens steht die Originalanimation so schön allein und der Charakter darin ist introspektiv, aber auch ein bisschen k alt. Der Versuch, einen Blickwinkel auf diese Figur zu finden und sie in gewisser Weise zu vermenschlichen, während man gleichzeitig die Tatsache respektiert, dass sie ein menschliches Gehirn in einem vollständig maschinellen Körper ist – das war an sich schon eine echte Herausforderung: zu versuchen, das Gleichgewicht zu finden, wo man ist Sie spielt jemanden, der nicht in der Lage ist, sich mit all diesen eigenwilligen Tendenzen auszudrücken, die uns zu Menschen machen, aber sie hat dieses zutiefst komplexe Innenleben. Das war manchmal sehr frustrierend.

„Die Szenen mit Kaori Momoi zu drehen, die in diesem Film meine Mutter spielt, war großartig. Sie war so gefühlvoll und einfach eine wunderschöne Schauspielerin“– Scarlett Johansson

Gibt es eine Szene im Film, die dir besonders am Herzen liegt?

Scarlett Johnasson:Eine Lieblingserfahrung! Es war so ein harter Film zu machen. Es war wirklich, wirklich, wirklich schwierig. Aber die Szenen mit Kaori Momoi zu drehen, die in diesem Film meine Mutter spielt, war großartig. Sie war so gefühlvoll und einfach eine wunderschöne Schauspielerin. Es erinnerte mich an diese Schauspieler aus japanischen Filmen, wie Tokyo Story (1953). Nur diese wirklich zutiefst gefühlvollen Darbietungen. Wenn sie in Trauer ist, heult sie, sie war einfach unglaublich. Es war ein frischer Wind, vor allem, weil ich so viel Zeit damit verbracht habe, alleine zu arbeiten. Es war so emotional und herzzerreißend, in diesen Momenten bei ihr zu sein, aber man braucht diese emotionale Tiefe in diesem explosiven Genre, weil es das Publikum dazu zwingt, sich auf die Reise zu begeben.

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PILOU ASBÆK UND CHIN HAN: BATOU UND TOGUSA

Wie war es, als du erfahren hast, dass du für den Film gecastet wurdest?

Pilou Asbæk:Ich persönlich war sehr aufgeregt darüber. Anime war mir bewusst und ich sah sie zum ersten Mal, als ich ein Teenager war, Anfang des Jahrtausends in meinen späten Teenagerjahren. Ich liebte es. Ich war keiner dieser Hardcore-Fans. Aber es hat mir gefallen! Es war ein Zeichentrickfilm, aber er nahm sich selbst ernst und hatte eine starke weibliche Hauptrolle.

Chin Han:Ich war genauso aufgeregt, denn ich bin ein Manga-Anime-Fan und das schon seit meiner Jugend. Offensichtlich weicht diese Aufregung bald dem Schrecken, weil man merkt, dass es eine so große Fangemeinde hat, die so leidenschaftlich daran interessiert ist und ihre eigenen Vorstellungen davon hat, wie es sein sollte, zusätzlich zu der Tatsache, dass wir jetzt ein so bahnbrechendes Stück davon haben Arbeit wie Shirows Ghost In The Shell, um gerecht zu werden. Du willst das respektieren und du willst das ehren, also weißt du, als ich nach Neuseeland kam, musste ich mich einfach dem Prozess ergeben und Rupert und die Produzenten machten es mir einfach.

Ihr beide spielt Charaktere, die den Film auf unterschiedliche Weise vermenschlichen. Wie konnten Sie jedem von ihnen Ihren Stempel aufdrücken, um diese Menschlichkeit voranzubringen?

Pilou Asbæk:Für mich war es sehr wichtig, die unglaubliche Arbeit von Shirow und Oshii zu würdigen. Also wollte ich einen Batou erschaffen, der die Optik von Shirows Manga ehrt, aber das Herz und die Seele von Oshiis Anime. So wurden es diese beiden – ich stand auf ihren Schultern, obwohl ich auch mein eigenes Batou kreierte. Es war mir sehr, sehr wichtig, dass er so nah wie möglich am Menschen ist. Er ist aufgewertet, mit den Augen und seinem Arm, also hatte ich viele Diskussionen mit den Produzenten und Rupert Sanders über [den Charakter dieses] Hundes, weil ich das Gefühl hatte, dass der Hund der Schlüssel zum Charakter ist.

Chin Han: Wie zeigt man einem Mann, der in einer digitalen Welt eine analoge Person ist? Es liegt tatsächlich am Charakterdesign. Das war also sehr wichtig. Sogar die Vokuhila, die etwas aus den 80ern ist, die er trägt, und die Anzüge, die er trägt, und die dünne Krawatte, und diese erstaunliche digitale Taschenrechneruhr von Casio, die wir für ihn ausgesucht haben. All diese Dinge waren sehr wichtig, um den Charakter aufzubauen.

“Es war sehr wichtig, die unglaubliche Arbeit von Shirow und Oshii zu würdigen. Also wollte ich einen Batou erschaffen, der die Optik von Shirows Manga, aber das Herz und die Seele von Oshiis Anime ehrt.“– Pilou Asbæk

JULIETTE BINOCHE: DR. OUELET

Das ist eine ganz andere Art von Film, als wir es gewohnt sind, dich darin zu sehen. Was hat dich an der Rolle gereizt?

Juliette Binoche:Die Unbekannte. In eine Welt eintauchen, von der ich vorher nichts verstanden habe. Das Vokabular war mir nicht vertraut, und es hilft auch sehr, wenn ein Regisseur dich wirklich will. Rupert Sanders, unser Regisseur, sah mich darin. Ich habe mich darin nicht gesehen. Aber nachdem ich mit ihm gesprochen hatte, dachte ich, okay, das kann ich versuchen, auch wenn ich nichts verstehe. Und er arbeitete an der Rolle, er arbeitete an der Beziehung zu Major. Dr. Ouelet war eine Kreation in diesem Film, weil er in den Animes und Comics ein Mann und keine Frau ist. Einen emotionaleren Charakter zu machen, machte es natürlich interessanter für mich. Einen Wissenschaftler mit einer gewissen Distanz zu spielen – das erwartet man bei dieser Figur natürlich. Aber es so zu machen, dass sie emotional involviert ist und sich am Ende opfert, muss man glauben. Der Aufbau dieser Möglichkeit war sehr interessant und in gewisser Weise auch schwierig, weil man so viele Ebenen darin spielen muss.

Wie war es, diese Welt zu betreten, die Rupert erschaffen hat?

Juliette Binoche:Nun, wir haben viel über die Rolle und die Beziehung gesprochen. Reden hilft. Ich war wie ein Kind am Set, sah all diese Techniker und versuchte zu verstehen, was sie danach in der Postproduktion tun würden. Ich musste es mir vorstellen, weil ich kein sehr … Ich sehe im Allgemeinen nicht viel Sci-Fi in meinem Leben. Also entdeckte ich eine Welt, während ich sie erschuf.

Die Figur von Dr. Ouelet ist gleichzeitig eine sympathische Figur, aber sie ist auch mitschuldig. Wie war es, in dieser Spannung zu leben?

Juliette Binoche:Nun, ich denke, zu Beginn ist sie ziemlich dunkel. Sie denken, wie kann sie mit dieser Autorität des Militärs in Verbindung gebracht werden und die Wissenschaft der Seele nutzen, um den Terror zu bekämpfen? Ich denke, ihr Verh alten ist sehr ähnlich wie bei einem Terroristen. Diese Militärwelt ist eigentlich DER Terror! Wenn Sie mit Vertrauen arbeiten, gibt es einen Raum. Aber wenn du dich tatsächlich mit Gew alt und Zerstörung manifestierst, dann erzeugt das noch mehr Schrecken. Ich denke also, sie war ziemlich dunkel, aber die Geschichte geht weiter und sie entdeckt, dass Major noch mehr zu ihrem Geist wird. Sie braucht Wahrheit, sie muss ihren Ursprung kennen, sie braucht Freiheit und sie braucht Bewusstsein. Dann wird sich meine Figur bewusster, wer Major ist, und deshalb kann sie sich am Ende opfern, um diesem Geist seinen richtigen Raum, seinen richtigen Platz zu geben.

Michael Pitt

MICHAEL PITT: KUZE

Waren Sie ein Fan der Originalbücher?

Michael Pitt: Ja. Ich möchte nicht sagen, dass ich ein richtiger Nerd war, denn es gibt Leute, die viel größere Fans sind als ich, aber ich wurde als Teenager von einigen echten Fans von Ghost In The Shell darauf aufmerksam gemacht. Im Laufe der Jahre bemerkte ich, dass es auftauchen würde. Es war eine sehr Underground-Sache in den Vereinigten Staaten, und ich sah den Einfluss, den es sehr oft auf junge Kunststudenten hatte, die wegen des Animes wirklich auf Ghost In The Shell standen. Aber auch Menschen, Biologen und Wissenschaftler mochten Ghost In The Shell, weil es meiner Meinung nach für seine Zeit wissenschaftlich fortschrittlich war.

Kuze repräsentiert gewissermaßen das dunkle Herz des Films. Wie haben Sie die Figur psychologisch gest altet, als Sie sich darauf eingelassen haben?

Michael Pitt: Es war wirklich schwierig, an dieser Figur zu arbeiten. Es war eine großartige Übung als Schauspieler. Ich erinnere mich, als ich daran arbeitete, dachte ich, deshalb haben Sie all diese großartigen Shakespeare-Schauspieler bei diesen Science-Fiction-Filmen arbeiten sehen, denn eigentlich ist es wirklich schwierig. Es gibt kein Handbuch. Man muss wirklich einen Charakter von Grund auf erschaffen. Bei Kuze wurde mir schnell klar, dass er mehrere Charaktere in Ghost In The Shell verkörperte. Eines der Dinge, die ich sofort erforschte, war die Evolution, wo wir uns in der Technologie befanden, zusammen mit einigen, ich schätze, Sie würden es asiatischen Philosophien nennen. Denn Ghost In The Shell ist im Wesentlichen Seele im Körper. Seele im Gefäß, im Grunde.

Wie viele Schurken wird er ein wenig missverstanden. Er beginnt als diese böswillige Präsenz und offenbart sich langsam. Was reizt dich an dunklen Charakteren wie Kuze?

Michael Pitt: Was mich anfangs zu dunklen Charakteren hingezogen hat, war, dass ich jung war. Ich glaube, mein erster professioneller Job war mit 19. Die einzigen Charaktere, die wirklich herausfordernd waren, waren also dunklere Charaktere. Alles andere war zu sehr wie Teenie-Idol-Scheiße. Es war weniger so, dass ich mich zu dunklen Charakteren hingezogen fühlte, als vielmehr, dass ich mich davon nicht angezogen fühlte. Weißt du was ich meine?

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RICHARD TAYLOR UND BEN HAWKER VON WETA WORKSHOP: CREATIVE SUPERVISOR UND CONCEPTUAL ART DIRECTOR

Wie kam Ghost In The Shell zu dir als Projekt?

Richard Taylor: Dieser Film war bezeichnenderweise ein großer Film für uns. Wir haben uns wahrscheinlich vor viereinhalb Jahren mit dem Projekt beschäftigt. Heute machen wir ziemlich oft Auftragsarbeiten und schicken sie in die Welt hinaus, in der Hoffnung, dass wir uns mit einem Projekt verbinden könnten, und so war es auch mit diesem. Wir haben gehört, dass Steven Spielberg die Möglichkeit für Ghost In The Shell hatte, also haben wir eine Menge Artworks verschickt. Wir haben ein paar Jahre nichts gehört. Und dann waren wir in der frühen Entwicklungsphase mit Rupert, der an einem anderen Projekt von ihm arbeitete, und wir waren auf einer bestimmten Reise in L.A. und er schlug vor, dass wir vorbeischauen und Stevens Haus besuchen sollten, und während wir dort waren, lernten wir Ari Arad kennen. Er sagte uns, dass er Ghost In The Shell produzieren würde, was … fantastisch war! Im Workshop haben wir Leute, die diesen Film, dieses Stück geistiges Eigentum, genauso fanatisch verfolgen wie einige unserer Mitarbeiter Dinge wie Herr der Ringe, also ist dies eine ganz besondere Gelegenheit. Tammy, meine Frau und ich führen unser Unternehmen nun seit 27 Jahren. Wir sind ein außergewöhnliches Unternehmen, da wir ein breites Spektrum unterschiedlicher Disziplinen betreuen. Wir entwerfen, Rüstungen, Waffen, Kreaturen, Miniaturen, Prothesen, Requisiten, Kostüme und Fahrzeuge. Es war eine großartige Gelegenheit, viele dieser Fähigkeiten in ein Projekt wie dieses für Rupert und sein Produzententeam einzubringen.

Was floss in die Entscheidungen ein, praktische Effekte im Vergleich zu digitalen Effekten zu erstellen?

Richard Taylor: Es ist eine ungewöhnliche Sache im heutigen Filmklima, in dem wir uns befinden, dass ein Regisseur auftaucht und sagt, ich möchte versuchen, so viel Praktisches zu tun wie wir bevor wir auf digitales Arbeiten setzen können. Offensichtlich ist das eine persönliche Entscheidung von Rupert, der aus einem praktischen Filmemacher-Hintergrund kommt. Aber es gibt ein Argument, dass die eigentliche Metapher dieser Welt, was es bedeutet, ein Mensch zu sein? Bist du noch ein Mensch, wenn dein Körper ersetzt wird, aber dein Verstand, die Seele und der Geist und das Gewissen der Kreatur, wenn alles digital produziert werden sollte, also die Schauspieler nur auf Green Screen filmen, gegenüber nur Tennisbälle auf Stöcken?. Ich denke, Rupert wusste von Anfang an, dass eine Schauspielerin wie Scarlett Johansson hoffen konnte, diese Metaphern heraufzubeschwören und einen Film zu schaffen, wenn sie mit der subtilen Tiefe dieses Films nicht gegen echte Charaktere in einer realen Umgebung spielen sollte? Wie könnte sie mit der Tatsache sprechen, dass sie dieses zerbrechliche junge Mädchen im Körper einer Frau ist, die versucht, ihre Existenz in der Welt zu finden, wenn sie in einer völlig künstlichen Umgebung agiert? Durch die Schaffung dieser viszeralen, grobkörnigen und strukturellen Welt, in die die Schauspieler eingetreten sind, denke ich, dass die Qualität dieser reichen, subtilen Botschaften im Film dadurch umso plausibler wurde.

Ben Hawker: Vor allem, wenn es bei der Immobilie darum geht, in einem digitalen Universum zu leben. Sie leben in einem Konstrukt, das ein Netzwerk ist, das oft erwähnt wird. Und Rupert verstand, glaube ich, von Anfang an, dass visuelle Effekte ganz offensichtlich ziemlich altmodisch sein können, insbesondere digitale Spezialeffekte. Grenzen des modernen Filmemachens, Sie müssen diese Dinge tun, nur damit Ihr Film rechtzeitig fertig und kinoreif ist. Aber er wollte sicherstellen, dass er etwas so originalgetreues von Masamune Shirow machen konnte, das die Fans glücklich machen und eine ganze Menge neuer Fans gewinnen würde. Und um das zu tun, musste er überlegen, wie soll ich diese Grafik ikonisch und nicht zeitgemäß machen? Und er versuchte, so gut er konnte, praktische Wirkungen zu erzielen, wann immer es möglich war. Echte Fahrzeuge, wenn möglich. Möglichst echte Menschen. Prothetisches Make-up, wenn Sie konnten. Wenn man sich Filme aus den 80er Jahren ansieht, gibt es viele praktische Effekte, weil sie nichts anderes hatten, aber sie neigen nicht dazu, aktuell zu sein. Er erwähnte Kubricks 2001, die Art und Weise, wie diese Filme aufgebaut sind, ihre Beleuchtungspaletten, all diese Dinge bleiben konstant. Aus diesem Grund wird heute darauf verwiesen.

Richard Taylor: Eines der Dinge, die er wollte, war kein Designteam, sondern Leute, die intelligent mit ihm darüber streiten würden, wie man diese Welt erschafft. Alle Filme, die aus einem Ausgangsmaterial stammen, werden eine Kerngruppe von Fans mitbringen, aber man könnte argumentieren, dass es fast keine andere Immobilie auf dem Planeten gibt, die eine leidenschaftlichere Gruppe von Fans mitbringen würde als Ghost In The Shell. Daher ist dies ein Fanfilm. Das ist echtes, Nischen-, hartes Sci-Fi. Dies ist kein Regisseur, der ein globales Publikum anbiedert. Wenn Sie sich zum Beispiel den Film ansehen, werden Sie sehen, dass es auf dieser Welt keine Handys gibt. Es gibt kein Sci-Fi-Denken von 2017. Die Konstrukte in einem Film wie Guardians of the Galaxy oder Star Trek, die Städte sind aus Chrom und Glas, das ist die utopische Vision, die wir alle im Jahr 2017 von unserer Zukunft haben würden. Aber das ist natürlich alles andere als utopisch. Das ist brutalistische Architektur, postjapanisches Konstrukt aus dem Zweiten Weltkrieg. In dieser Welt mussten wir die Sprache von Ghost In The Shell finden. Es musste aus Shirows Vision aus den 1980er Jahren stammen, sonst hätten wir die Kern-Fansprache dieses Films erheblich untergraben.

“Das ist alles andere als utopisch. Das ist brutalistische Architektur, postjapanisches Konstrukt aus dem Zweiten Weltkrieg. In dieser Welt mussten wir die Sprache von Ghost In The Shell finden. Es musste aus Shirows Vision aus den 1980er Jahren stammen“– Richard Taylor

Was waren einige der größten Anstrengungen, die nötig waren, um die Welt von Ghost In The Shell zu erschaffen?

Ben Hawker:Sie sehen dies in allen Phasen der Produktion, vom Kernkonzeptdesign bis zu den Kostümen, die Sie sehen. Unsere Freunde Kurt und Bart, die Kostümbildner des Films, haben, wie Sie sehen werden, große Schulterpolster, die knallbunten Kostüme, all die Neonlichter, die Sie auf nassen Straßen sehen werden, mitgebracht, es ist ein ausgesprochen asiatischer Film. Wir haben Wellington in Hongkong verwandelt und können es kaum glauben. Viele der Filme, für die Neuseeland bekannt ist, verlassen sich auf die Landschaft und das Gras, die Landschaft und die Hobbit-Löcher. Und für uns, einen harten Science-Fiction-Film in einer kleinen Küstenstadt zu drehen, einer Hauptstadt, als ob sie es wäre, es ist kein Hochhaus und es ist nicht dicht besiedelt, ich denke, die Produktion hat einen erstaunlichen Job gemacht.

Wie spiegelt der Film Ihrer Meinung nach die Realität der Welt wider, in der wir in Zukunft leben werden?

Richard Taylor:Als [die Originalserie] herauskam, hatte sie einen erheblichen Einfluss, aber natürlich sprach sie immer noch von einer unwahrscheinlichen Zukunft. Im Jahr 2017, wo unser Leben mit unseren Mobiltelefonen völlig allgegenwärtig ist, sind wir mit dem Stromnetz verbunden, wir sind drahtlos mit dieser Technologiewelt verbunden. Die Aussagen, die gemacht wurden, oder diese Philosophien, die Vermutungen dieser Philosophien von vor 30 Jahren haben sich also wirklich bewährt. Diese Geschichte hat tatsächlich sehr bedeutsame Parabeln auf die Welt, in der wir leben. Wir hatten das Gespräch über die Tatsache, dass unsere Kinder in eine ganz andere Welt hineingeboren werden als die luxuriöse Existenz, die die meisten unserer Generation hatten. Unabhängig von Ihrer Erziehung haben wir in den letzten 20.000 Jahren den Höhepunkt der Menschheit erlebt. Und wenn Sie den Optimismus haben, dass diese Welt weiterbestehen wird, dann ja, ich bin fest davon überzeugt, dass vieles von dem, was in diesem Film postuliert wird, Teil unserer sehr nahen Zukunft ist. Es muss daran liegen, dass wir es schon fast geschafft haben. KI steht kurz vor uns. Die Fähigkeit, die Intelligenz der menschlichen Rasse zu verketten, steht kurz bevor. Und der Moment der Singularität wird die Art und Weise, wie wir uns als Menschen verbinden, erheblich verändern.

Ben Hawker:Ruperts abschließender Satz des Films ist, dass Technologie nichts ohne Menschlichkeit ist und wir die Menschlichkeit scheinbar vergessen haben.

Richard Taylor:Wir müssen an der Tatsache festh alten, dass wir als Gruppe im Kern aus einer Population außergewöhnlicher Denker und Macher bestehen. Wir ziehen unsere Kinder in einer k alten, harten Umgebung auf. Ich nenne es die IKEA-Zukunft mit Vanillegeschmack. Es ist nicht dort, wo wir sein wollen. Wir wollen nicht, dass unsere Kinder durch harte Glasscheiben mit der Welt in Kontakt treten. Es wäre schön zu glauben, dass wir den Optimismus haben, die Seele in allem zu bewahren. Ich denke, dies wird ein sehr kraftvoller Film für die Menschen werden. Es könnte tatsächlich ein sozialer Kriegsschrei sein.

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