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Leben & Kultur 2023

25 Filme, die Sie diesen Herbst sehen müssen

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25 Filme, die Sie diesen Herbst sehen müssen
25 Filme, die Sie diesen Herbst sehen müssen
Anonim

Von sapphischen Liebesaffären bis hin zu Transgender-Nutten – hier ist Ihr Leitfaden für die besten kommenden Filme

Dutzende großartige und Hunderte nicht so großartige Filme werden ausgerollt, bevor sich 2015 dem Ende zuneigt, aber diese 25 Titel sollten Sie bereits auf Ihrem Radar haben. Es gibt eine geheime lesbische Liebesaffäre, eine Art spirituelle Fortsetzung von Dazed and Confused, Punkrocker, die versuchen, einen Amoklauf von Nazi-Skinheads zu überleben, und die viel gehypte N.W.A. biopic.

In diesem grandiosen faustischen Thriller, der beim Trifecta in Venedig/Telluride/Toronto im letzten Herbst einen wunden Punkt beim Publikum traf, verliert Andrew Garfield den hautengen Spidey-Anzug, um seine Zähne in etwas weitaus Dreckigeres zu schlagen, als Peter Parker es könnte jemals behandeln: die Florida-Zwangsvollstreckungskrise. Garfield spielt in der schief gelaufenen Disney-Spielplatzstadt Orlando und spielt einen wohlmeinenden jungen Papa, der sich mit demselben zwielichtigen Immobilienmakler (Meisterschurke Michael Shannon), der seine Familie vertrieben hat, in das ethisch fragwürdige Geschäft der Zwangsvollstreckung einlässt.

Buzz aus Sundance war stark für diese süße Zeitromanze, die auf einem Roman von Colm Tóibín basiert und von Nick Hornby adaptiert wurde, der sich nach dem letztjährigen Wild schnell zum Drehbuchautor für mutige Erzählungen zur Stärkung weiblicher Kräfte entwickelt. Eine junge irische Einwanderin auf der Suche nach einem besseren Leben (Saoirse Ronan, die in einer ihrer bisher kräftigsten Rollen glänzt) reist Anfang der 1950er Jahre nach New York und verliebt sich schwer in ein charmantes italienisch-amerikanisches Kind (Emory Cohen). Aber eine erzwungene Rückreise nach Irland bietet Versuchung in Form von intimen Strandspaziergängen mit Domhnall Gleeson. Also, welcher Verehrer wird es sein? Notieren Sie uns für Team Emory.

Wenn die Preisverleihungssaison kommt, achten Sie genau auf diesen herzzerreißenden Gewinner des Queer Palm-Preises 2015 von Todd Haynes. Hier zapft der Meister des stilisierten Melodrams seine besondere Affinität zu von Frauen angetriebenen Erzählungen sowie die Fünfziger (Far From Heaven) durch eine heimliche, in New York angesiedelte lesbische Liebesaffäre an. Kritiker bejubeln Blanchetts Rolle als wohlhabende und elende Hausfrau, die sich nach einer hübschen Verkäuferin (Cannes-Gewinnerin Rooney Mara) sehnt, als Karrierehöhepunkt – ein großes Lob angesichts der beeindruckenden Erfolgsbilanz des Oscar-Preisträgers. Wenn jemand Patricia Highsmiths lesbischem Underground-Klassiker (Der Preis des Salzes von 1952) gerecht werden und die unterdrückte emotionale Sehnsucht des Paares geschickt vermitteln kann, dann ist es Haynes.

Pünktlich zur Spukhaus-Saison lässt der geniale Monsterstampfer Guillermo Del Toro sein lang gereiftes Stück romantischen Gothic-Horrors fallen, das in einem verfallenen aristokratischen Herrenhaus im abgelegenen Cumbria des 19. Jahrhunderts spielt. Erwarten Sie dieses übernatürliche Mysterium über eine aufstrebende Autorin (Mia Wasikowska), die sich in einen magnetischen Mystery-Mann (Tom Hiddleston) verliebt, um die Konventionen des Geistergenres zu untergraben. Del Toro hat gesagt, dass Crimsons Ton eher seiner spanischsprachigen Kost ähneln würde, und neckte Angstbegeisterte mit dem Versprechen eines zutiefst verstörenden, charaktergetriebenen, „perversen und gew alttätigen“Oeuvres. Aber er hatte uns bei „Gothic Horror“.

Der Hood-Film der 90er befindet sich mitten in einer ausgewachsenen Renaissance, und der subversive Dope von Autor und Regisseur Rick Famuyiwa führt die Anklage an. Mit seinem Tsunami an Verweisen auf das Goldene Zeit alter des Rap und seinem cleveren Hochfahren ver alteter Vorstellungen von „Schwarzsein“kommt Dope wie ein Hauch frischer, polyrassischer Luft in die homogene Coming-of-Age-Abteilung. Diese in LA spielende Action-Komödie stellt den nigerianisch-amerikanischen Senior-Nerd Malcolm (Shameik Moore) vor, der davon besessen ist, in die Ivy League zu kommen, während er sich damit abmüht, seine Jungfräulichkeit zu verlieren und mit seiner Punkband BFFs abzuhängen (zu der auch ein brillantes Pokerface gehört lesbischer Schlagzeuger). Das ist alles, bevor der flippige Haufen auf kleinere Straßensperren stößt, an denen ein mit MDMA gefüllter Rucksack und ein Drogendealer aus Inglewood (A$AP Rocky) beteiligt sind. Ein Teenie-Streifen, der turbogeladen, extravagant, kraftvoll und, ehrlich gesagt, ziemlich geil ist.

Den Mythos um den verehrten amerikanischen Autor David Foster Wallace aufzudecken, der sich 2008 das Leben nahm, ist keine leichte Aufgabe. Sundance-MVP James Ponsoldt (The Spectacular Now) wagt einen Versuch und adaptiert die Memoiren des Rolling-Stone-Schreibers David Lipsky über sein ikonisches fünftägiges Interview mit Wallace zur Zeit der Veröffentlichung seines epischen 1.000-Seiten-Bausteins „Infinite Jest“im Jahr 1996. Was Sie von diesem vom DFW-Nachlass völlig unbefürworteten Unterfangen erwarten können: Jesse Eisenbergs typische Skurrilität, eine seelenlose Wendung von Jason Segel und hoffentlich einige neue Einblicke in das gequälte Genie dieser literarischen Größe.

Eine seltsame Sci-Fi-Romanze über eine neue Art von emotionslosen Menschen, die in Harmonie leben und unter dem sehr PC-Etikett von "Equals" bekannt sind, unter der Regie von Indie-Liebling Drake Doremus (Like Crazy) mit dem prominenten Herzensbrecher Nicholas Hoult, die grüblerische Bella Kristen Stewart und der Scoring des deutschen Elektronik-Experten Apparat? Ja, hat immer noch unsere Aufmerksamkeit erregt. Als die ruhige Utopie von Equals durch eine neue Krankheit gestört wird, die die Emotionen ihrer Opfer aktiviert, werden sie zu Parias und müssen auf die Flucht gehen. Oh, und K-Stews Behauptung, der Film sei von George Orwells 1984 inspiriert worden? Absolut falsch, nur fürs Protokoll.

Wie setzt ein Regisseur seine von der Kritik am meisten gelobte Errungenschaft im Geschichtenerzählen fort? Um die Antwort zu finden, kehrte Richard Linklater zum Anfang zurück, um eine „spirituelle Fortsetzung“seines Kultfilms über gelangweilte Teenager-Kiffer zu schreiben – Dazed and Confused. Dieses College-Party-Bild, das sich im Laufe eines Wochenendes des „unbeaufsichtigten Erwachsenseins“im Jahr 1980 (vier Jahre nach Dazed) entf altet, hat seinen Namen nach dem Van Halen-Klassiker und verspricht eine Filmmusik mit Größen wie Devo, Blondie und Talking Heads. Im Gespräch mit Creative Screenwriting sagte Linklater: „Es ist auch eine Fortsetzung von Boyhood, ob Sie es glauben oder nicht. Ich weiß nicht, ob ein Film eine Fortsetzung von zwei verschiedenen Filmen sein kann, aber er beginnt genau dort, wo Boyhood endet, mit einem Typen, der am College auftaucht und seine neuen Mitbewohner und ein Mädchen trifft. Es überschneidet sich mit dem Ende der Kindheit.”

Von Baggy-Hosen und Designer-Bling bis hin zu den neuesten Kicks und Kangol-Hüten erzählt die Dokumentation der Musikjournalistin Sacha Jenkins die Geschichte der Hip-Hop-Kultur durch ihre oft auffälligen modischen Elemente und zeichnet auf, wie bestimmte Trends im Süden zum ersten Mal Gest alt annahmen Bronx, bevor sie ihren Weg in die Einzelhandelsregale der amerikanischen Unternehmen fanden. Mit der Modeweisheit von Größen wie Diddy, Pharrell, Kanye und Nas verdeutlicht dieses überzeugende Dokument, dass es bei Stil immer an erster Stelle um Würde und Selbstachtung ging, egal wie entrechtet der Träger sein mag. Es ging nur darum, diese „todfrische“Prahlerei zu projizieren.

Jedes glücklose Indie-Rock-Outfit sollte diesen zukünftigen Mitternachtsfilmklassiker als warnende Geschichte begrüßen. Eine sich abmühende Punkband aus Oregon (angeführt von Anton Yelchin) nimmt einen Last-Minute-Auftritt an einem abgelegenen Ort auf, an dem es nur so wimmelt von tollwütigen weißen Supremacisten (angeführt von Patrick Stewart), die nach Blut suchen. Ihre mörderischen Impulse haben möglicherweise mit der Entscheidung der Band zu tun, das entzückende kleine Liedchen „Nazi Punks Fuck Off“von den Dead Kennedys zu covern. Diese verbarrikadierte Punkrocker-Überlebensgeschichte kam zu Regisseur Jeremy Saulnier (von Blue Ruin), als er sich an die Nazi-Skinheads erinnerte, die in seiner Jugend an Punk-Show-Veranst altungsorten herumschwirrten. Im Vergleich dazu werden kräftige Moshpits für immer harmlos erscheinen.

Das luxuriöse Hightech-Hochhaus als Mikrokosmos der schäbigen Schattenseite der Menschheit? Der Autor JG Ballard erwähnte das Konzept erstmals in seinem vorausschauenden Roman von 1975. Jetzt bringt Filmemacher Ben Wheatley diesen klaustrophobischen, bacchantischen Zusammenbruch mit Tom Hiddleston, Jeremy Irons und Sienna Miller auf die große Leinwand. High-Rise ist eine aufregend düstere Projektion in die Zukunft und zeigt die wütenden Mieter eines Londoner Hochhauses – wobei die Unterschicht die Stockwerke vermietet, die dem Erdgeschoss am nächsten sind, während die Oberschicht am nächsten zum Penthouse wohnt –, die durch das Gebäude rattert und in unergründliche Gew alt ausbricht und Verdorbenheit und geben ihren animalischsten, blutrünstigsten Impulsen nach. Viele würden argumentieren, dass wir jetzt in dieser Zukunft leben. Mach daraus, was du willst.

Religiöser Extremismus kann nicht viel queerer werden als Michael Glatze (James Franco), ein ehemaliger in Castro ansässiger Redakteur des schwulen Jugendmagazins XY und ein prominenter LGBT-Aktivist in den 1990er Jahren, der mit einem langjährigen Freund zusammenlebte (Zacharias Quinto). Dann sprang Glatze schockierenderweise von Bord, wurde ein wiedergeborener christlicher Pastor und rief Homosexualität als eine gottlose Wahl des Lebensstils aus. Die Gezeitenwende wurde anscheinend durch eine Reihe von Herzklopfen angespornt, die ihn um sein Leben fürchten ließen. Wer könnte besser auf diese provokative Prämisse aus dem wirklichen Leben eingehen als James Franco, der „Schwule in seiner Kunst“?

Anton Corbijn brillierte 2007 mit seinem verheerenden Ian-Curtis-Biopic „Control“. Angesichts seiner Doppelbeschäftigung als Fotograf und Filmemacher ist er der perfekte Kandidat, um Licht auf die komplexe reale Beziehung zwischen einem noch unbekannten James Dean (Dane DeHaan) und Life Magazine Hobbyfotograf Dennis Stock (Robert Pattinson), die einigen der auffälligsten Ikonografien von Amerikas größtem Rebellen ohne Grund Platz machten. Der Film hat aus Berlin gemischte Reaktionen erh alten, aber wir sind an Bord, wenn auch nur wegen Dane DeHaan, der für seine magnetische Lektüre über den in Indiana geborenen Mann und Mythos ausgewählt wurde.

Yorgos Lanthimos’ wilde Dystopie klingt wie ein Schrei. In dieser orwellschen und kafkaesken Zukunft ist Singledasein strengstens verboten, Menschen, die Grenzen überschreiten, müssen den Nachweis der Paarbeziehung erbringen, und die Strafe für Masturbation besteht darin, dass die verletzende Hand in einen Toaster gesteckt wird. Neue alleinstehende Bürger müssen zu einem repressiven Hotelkomplex, wo sie 45 Tage Zeit haben, um ihr Gegenstück zu finden oder in ein Tier ihrer Wahl verwandelt zu werden. Colin Farrells frisch entsorgter Architekt entscheidet sich für den Titelhummer, da er das Meer liebt. Wie immer ist Lanthimos (Dogtooth) mit vollem Einsatz dabei, seine höchst absurden Ideen durchzuziehen. Dies kann oder muss nicht darin bestehen, dass sich die verrückten Charaktere von Ben Whishaw und John C. Reilly etwas zusätzliche Zeit im Hotel verschaffen, indem sie Einzelgänger jagen, die „nur elektronische Musik hören“. Keine Sorge, Lanthimos sagt uns: Die EDM-Flüchtlinge werden festgenommen.

Wir waren erleichtert zu hören, dass der erste englischsprachige Film des umwerfenden norwegischen Regisseurs Joachim Trier immer noch in unsägliches emotionales Gepäck und finstere Dinge eintaucht, die direkt unter der Oberfläche lauern. Louder packt drei wechselnde, in New York angesiedelte Erzählungen über einen Vater (Gabriel Byrne) und zwei Söhne (Jesse Eisenberg und Devin Druid) aus, die den Selbstmord ihrer Frau/Mutter nicht betrauern können. Die Söhne kannten Isabelle kaum, eine gefeierte Kriegsfotografin (die brillante Isabelle Huppert, die eindeutig von der stacheligen Familiendynamik lebt). Wie bei Oslo, 31. August macht Triers sozialer Realismus dennoch Platz für einige atemberaubende visuelle Poesie.

Indem er sich dieses Jahr sowohl den Grand Jury Prize als auch den Audience Award in Sundance schnappte, wird dieser erfrischend süffisante Coming-of-Age-Publikumsliebling in die Fußstapfen des letztjährigen Whiplash und der Fruitvale Station 2013 treten. Die ergreifende, in Pittsburgh angesiedelte Highschool-Dramödie zeichnet die aufblühende Freundschaft zwischen dem zurückh altenden Filmfan Greg (dem titelgebenden „Me“) und der rüstigen Rachel auf, die gerade mit einer Leukämie-Diagnose geohrfeigt wurde. Greg und sein Kumpel Earl entkommen dem Schlachtfeld des Klassenzimmers, indem sie ihre Freizeit damit verbringen, ihre Lieblingsfilme zu parodieren – von „A Sockwork Orange“bis „2:48 Cowboy“– und unser Protagonist kommt aufgrund seiner neuen, gefährdeten Platonik allmählich aus seiner Hülle heraus Bindung. Sicher, es ist manchmal etwas zu selbstbewusst für sein eigenes Wohl, aber man würde nie glauben, dass Me and Earl eine weitere YA-Adaption war.

Dieser neue Film von Regisseur Noah Baumbach und seiner furchtlosen On-/Off-Screen-Muse Greta Gerwig sollte sie als kreatives Tandem etablieren, mit dem man rechnen muss. Mistress America baut auf Frances Has Feier weiblicher Freundschaften und ihrer Umarmung eifriger junger Erwachsener und ihrem manchmal rosafarbenen Optimismus auf und klingt verdammt brillant. Eine temperamentvolle Screwball-Komödie über Brooke, eine überlebensgroße, verpflanzte New Yorkerin (Gerwig), die ihrer zu Besuch kommenden Stiefschwester (Lola Kirke) zeigt, wie man den Big Apple bei den Hörnern packt, Gerwigs Geliebte – in all ihrer Überschwänglichkeit, naiver Ruhm – wird uns alle wünschen, wir hätten eine Brooke in unserem Leben, mit der wir durch New York rennen können.

Vor Prisoners flogen die spannenden Psychothriller des Frankokanadiers Denis Villeneuve weit unter dem Radar. Seine ehrgeizigen Tragödien sind voll von schnell eskalierenden moralischen Sümpfen. Nach seiner verdrehten, düsteren Interpretation von Jake Gyllenhaal-Doppelgängern (Enemy) trifft Sicario den Regisseur mit DOP-Halbgott Roger Deakins (mit dem er auch die Fortsetzung von Blade Runner drehen wird) für diesen äußerst kritischen Blick auf die US-Drogenpolitik in Mexiko wieder Grenze. Emily Blunt, die „eine idealistische FBI-Agentin“spielt (gibt es welche?), etabliert den höchsten Glaubwürdigkeitsgrad als knallharte Actionheldin.

Wenn dir die Idee des Gefängnisses schon immer Schauer über den Rücken jagte, solltest du diese entsetzliche Wiedergabe einer berüchtigten Psychiatriestudie aus dem Jahr 1971, die von einem Stanford-Professor schief gelaufen ist, auf der großen Leinwand überspringen. Das Experiment – ​​seitdem als eines der umstrittensten in der Geschichte der Psychologie beschrieben – setzte 24 freiwillige Studenten entweder als Gefangene oder als Gefängniswärter in einem simulierten Gefängnis ein. Nachdem sie absichtlich Schlafentzugstaktiken, Leibesvisitationen und einer Wundertüte von Erniedrigungsverfahren unterzogen wurden, verloren einige hysterische Teilnehmer ihre Murmeln und die Studie musste nach nur sechs Tagen abgebrochen werden. Der Film reitet auf einer Welle von Sundance-Raves, wobei die gemessene Intensität von Ezra Millers Gefangener-in-Revolte das Rudel anführt.

Die Wahl des Hollywood-Schlockmeisters Roland Emmerich (Independence Day, The Day After Tomorrow), um den bisher bekanntesten Film über diesen Schlüsselmoment der Bürgerrechtsbewegung des 20. Jahrhunderts zu drehen, beunruhigt uns. Ernst. So auch das einheitlich kaukasisch aussehende männliche Ensemble des Schwulenrechtsdramas (darunter Jeremy Irvine, Jonathan Rhys Meyers und Caleb Landry Jones). Aber wer wären wir, um den ersten Stein zu werfen? Lassen Sie uns weitere Spekulationen aussetzen, bis wir sehen, wie Emmerich die Zeit des weit verbreiteten politischen Erwachens gest altet, die 1969 durch eine Polizeirazzia im Stonewall Inn im New Yorker Greenwich Village ausgelöst wurde. Passender Tribut oder verpasste Gelegenheit?

Kein Spielfilm im Jahr 2015 kommt mit Sean Bakers Tangerine mit seinem einzigartig zwielichtigen, hyperkinetischen, unverschämt frechen Stück Nuttenleben gleich. Diese äußerst lustige L.A.-Spritztour, die vollständig auf einem iPhone 5S gedreht wurde, macht uns mit den BFFs Sin-dee und Alexandra bekannt, zwei unflätigen, klugen (und Crack rauchenden) Transgender-Damen der Nacht. Als sie sich in ihrem Lieblings-Donut-Lokal treffen, nachdem Sin-dee aus dem Knaller ausgestiegen ist, lässt Alexandra durchblicken, dass Sin-dees Zuhälter von einem Beau Hässliche mit einem anderen Mädchen zusammengebracht hat. Und so beginnt eine tagelange Mistress-Jagd in Santa Monica auf und ab, die unzähligen Zitaten der Sorte „Du musstest nicht Chris Brown the Bitch“Platz machen. Ein großes Plus: Die Transidentitäten der Charaktere (auf und neben dem Bildschirm) werden völlig sachlich behandelt.

Die kommende N.W.A. biopic ist an und für sich eine große Nachrichtengeschichte, aber das gehypte Projekt hat auch aus einer Vielzahl anderer Gründe Schlagzeilen gemacht: Es gab ein Drive-by-Shooting im Zusammenhang mit einer Bande am Compton-Set des Films, sieben Tage nach Beginn der Produktion; Suge Knights andauernder Mordprozess mit Fahrerflucht, der während der Produktion des Filmtrailers stattfand; und eine kürzliche Ankündigung von Ice Cube, dass Tupac im Film erscheinen würde. Was das Drama auf der Leinwand angeht, können Sie davon ausgehen, dass es den Aufstieg und Fall der bahnbrechenden, umstrittenen Cali-Hip-Hop-Crew aufzeigt, die den Gangsta-Rap bekannt gemacht hat. Abgesehen von Paul Giamatti, der den Manager der Gruppe spielt, besteht die Besetzung aus wenig bekannten Schauspielern, darunter Ice Cubes eigener Nachkomme, O’Shea Jackson Jr., der seinen Vater spielt. („Eine Rolle, für die er vorsprechen musste“… so geht die Geschichte.) Der Film, der etwas mehr als 20 Jahre nach Eazy-E’s frühem Tod an AIDS veröffentlicht wird, zeigt, wie wenig sich seit Ice Cube, Dr. Dre, geändert hat, MC Ren, DJ Yella und Eazy-E stürmten Mitte der 80er Jahre mit „Fuck Tha Police“, „Gangsta Gangsta“und ihren wütenden Hymnen des Hood-Lebens und des institutionalisierten Rassismus erstmals durch die Äther. Mit Musik als einziger Waffe bietet N.W.A. sorgte dafür, dass ihre Botschaft laut und deutlich gehört wurde: Schwarz. Lebt. Angelegenheit.

Diese Adaption von Eleanor Hendersons Debütroman über angsterfüllte verlorene Seelen spielt in der düsteren Alphabet City der späten 80er Jahre und fühlt sich an wie eine Zeitkapsel aus dem New York vor Giuliani. Es gibt Squats in Hülle und Fülle, geradlinigen Punkrock, Krishnacore, Teenager-Schwangerschaften, Yuppie-Übergriffe und die Thompson Square Riots. Eine Coming-of-Age-Geschichte über verkorkste Teenager (nämlich Asa Butterfield als Punkrockerin, deren beste Kumpel eines Morgens tot auftaucht) und ihre verkorksten Eltern (darunter Ethan Hawke als distanzierter Topfdealer-Vater, obvi), Ten Thousand Saints führt uns in eine heruntergekommene Bohème, die dringend ein wenig Pflege benötigt.

Lassen Sie uns das aus dem Weg räumen: Die Leute haben Joseph Gordon-Levitt eine harte Zeit bereitet wegen des Akzents, den er auf seine fiktive Darstellung des französischen Hochseilkünstlers Philippe Petit zugeschnitten hat. Da ich selbst französische Muttersprachlerin bin, klingt die gallische Ausdrucksweise von JGL für mich absolut überzeugend. Also voilà. Was Petits hochfliegende Errungenschaften betrifft, so ist dieser künstlerische Draufgänger nach wie vor der einzige Mann, der jemals eine Gratwanderung über die Zwillingstürme des World Trade Center (1974) gemacht hat. The Walk greift den gruseligen, oscargekrönten britischen Dokumentarfilm Man on Wire aus dem Jahr 2008 durch das Prisma einer technologisch verbesserten Fiktion auf und bietet einen noch viszeraleren, schwindelerregenderen Blick auf den historischen Stunt. Wer damals auf Wolkenkratzer kletterte, machte nicht nur seine Hausaufgaben, sondern kümmerte sich auch einen Dreck darum, das perfekte Selfie zu inszenieren. instalike.

Im Jahr 2010 entdeckte eine zierliche blonde Filmemacherin namens Crystal Moselle sechs langhaarige, Sonnenbrille tragende Brüder im Stil von Reservoir Dogs, die die First Avenue hinuntergingen. Wie hypnotisiert lief sie ihnen nach und schloss eine Freundschaft. Fünf Jahre im Zeitraffer: Ihre Dokumentation über die exzentrische Erziehung der sechs Angulo-Brüder gewann kürzlich den Hauptpreis beim Sundance und zieht nun die ganze Welt in ihren Bann. The Wolfpack untersucht die behütete, wohl traumatische Erziehung der Jungen: Ihr Vater, ein überfürsorglicher peruanischer Einwanderer, sperrte seine Kinder in der New Yorker Wohnung der Familie ein, unterrichtete sie zu Hause und ließ sie nur wenige Male über die Grenzen ihrer Vierzimmerwohnung hinausblicken jährlich. Um mit ihrer Isolation fertig zu werden, spielten die Jungs Filme und stellten ihre Lieblingsszenen mit DIY-Sets und ausgeklügelten Kostümen nach. Glücklich darüber, mit der Presse über ihre Kindheit nachzudenken, sagte Narayana Angulo kürzlich zu Dazed: „Ich hoffe, dass die Leute das aus Crystals Dokumentarfilm mitnehmen. Ich hoffe, sie verlassen das Kino mit dem Wissen, dass Filme wirklich das Leben der Menschen verändern.“

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